Centro de informação “casa central do conhecimento”. Resumo: Imagem artística de P

1. Imagem artística: o significado do termo

2. Propriedades de uma imagem artística

3. Tipologia (variedades) de imagens artísticas

4. Trilhas de arte

5. Imagens-símbolos artísticos

1. Imagem artística: o significado do termo

No sentido mais geral, uma imagem é uma representação sensorial de uma ideia específica. As imagens são objetos percebidos empiricamente e verdadeiramente sensoriais em uma obra literária. São imagens visuais (imagens da natureza) e auditivas (o som do vento, o farfalhar dos juncos). Olfativo (cheiros de perfume, aromas de ervas) e gustativo (sabor de leite, biscoitos). As imagens são táteis (toque) e cinéticas (relacionadas ao movimento). Com a ajuda de imagens, os escritores indicam em suas obras uma imagem do mundo e do homem; detectar movimento e dinâmica de ação. A imagem também é uma espécie de formação holística; pensamento incorporado em um objeto, fenômeno ou pessoa.

Nem toda imagem se torna artística. A arte de uma imagem reside no seu propósito especial – estético. Ele capta a beleza da natureza, do mundo animal, dos humanos e das relações interpessoais; revela a perfeição secreta do ser. A imagem artística é chamada a testemunhar a beleza que serve o bem comum e afirma a harmonia mundial.

Em termos da estrutura de uma obra literária, a imagem artística é o componente mais importante da sua forma. Uma imagem é um padrão no “corpo” de um objeto estético; a principal engrenagem “transmissora” do mecanismo artístico, sem a qual o desenvolvimento da ação e a compreensão do significado são impossíveis. Se uma obra de arte é a unidade básica da literatura, então uma imagem artística é a unidade básica de uma criação literária. Por meio de imagens artísticas, o objeto de reflexão é modelado. A imagem expressa objetos paisagísticos e interiores, acontecimentos e ações dos personagens. A intenção do autor aparece nas imagens; a ideia principal e geral é incorporada.

Assim, na extravagância “Scarlet Sails” de A. Green, o tema principal do amor na obra é refletido na imagem artística central - velas escarlates, significando um sentimento romântico sublime. A imagem artística é o mar, onde Assol espreita, à espera de um navio branco; a abandonada e desconfortável taverna Menners; um inseto verde rastejando ao longo de uma linha com a palavra “olhar”. A imagem artística (a imagem do noivado) é o primeiro encontro de Gray com Assol, quando o jovem capitão coloca em seu dedo o anel da noiva; equipar o navio de Gray com velas vermelhas; beber vinho que ninguém deveria ter bebido, etc.

As imagens artísticas que destacamos: o mar, um navio, velas vermelhas, uma taberna, um inseto, vinho - estes são os detalhes mais importantes da forma da extravagância. Graças a esses detalhes, a obra de A. Green começa a “viver”. Recebe os personagens principais (Assol e Gray), o local de seu encontro (o mar), bem como sua condição (um navio com velas vermelhas), um meio (um olhar com a ajuda de um inseto) e um resultado (noivado, casamento).

Com a ajuda de imagens, o escritor afirma uma verdade simples. Trata-se de “fazer os chamados milagres com as próprias mãos”.

No aspecto da literatura como forma de arte, a imagem artística é a categoria central (e também um símbolo) da criatividade literária. Atua como uma forma universal de dominar a vida e ao mesmo tempo como um método para compreendê-la. Atividades sociais, cataclismos históricos específicos, sentimentos e personagens humanos e aspirações espirituais são compreendidos em imagens artísticas. Nesse aspecto, uma imagem artística não substitui simplesmente o fenômeno que denota ou generaliza seus traços característicos. Conta sobre os fatos reais da vida; conhece-os em toda a sua diversidade; revela sua essência. Modelos de existência são desenhados artisticamente, intuições e insights inconscientes são verbalizados. Torna-se epistemológico; abre caminho para a verdade, o protótipo (nesse sentido, estamos falando da imagem de algo: o mundo, o sol, a alma, Deus).

Assim, a função de “condutor” do Protótipo de todas as coisas (a imagem divina de Jesus Cristo) é adquirida por todo um sistema de imagens artísticas na história “Dark Alleys” de I. A. Bunin, que fala sobre o encontro inesperado dos principais personagens: Nikolai e Nadezhda, outrora ligados por laços de amor pecaminoso e vagando no labirinto da sensualidade (em “becos escuros”, segundo o autor).

O sistema figurativo da obra baseia-se num nítido contraste entre Nicolau (um aristocrata e general que seduziu e abandonou sua amada) e Nadezhda (uma camponesa, dona de uma pousada, que nunca esqueceu ou perdoou seu amor).

A aparência de Nikolai, apesar da idade avançada, é quase impecável. Ele ainda é bonito, elegante e em forma. Seu rosto mostra claramente dedicação e lealdade ao seu trabalho. No entanto, tudo isso é apenas uma casca sem sentido; casulo vazio. Na alma do brilhante general só existe sujeira e a “abominação da desolação”. O herói aparece como uma pessoa egoísta, fria, insensível e incapaz de agir até mesmo para alcançar sua felicidade pessoal. Ele não tem objetivos elevados, nem aspirações espirituais e morais. Ele flutua à vontade das ondas, morreu na alma. No sentido literal e figurado, Nikolai viaja por uma “estrada suja” e, portanto, lembra fortemente o “tarantass coberto de lama” do próprio escritor com um cocheiro que parece um ladrão.

A aparência de Nadezhda, ex-amante de Nikolai, ao contrário, não é muito atraente. A mulher manteve traços da beleza anterior, mas deixou de se cuidar: engordou, ficou feia e ficou “obesa”. No entanto, em sua alma, Nadezhda mantinha a esperança do melhor e até do amor. A casa da heroína é limpa, aconchegante e aconchegante, o que atesta não o simples zelo ou cuidado, mas também a pureza de sentimentos e pensamentos. E a “nova imagem dourada (ícone - P.K.) no canto” denota claramente a religiosidade da anfitriã, sua fé em Deus e em Sua Providência. Pela presença desta imagem, o leitor adivinha que Nadezhda encontra a verdadeira fonte do Bem e de todo o Bem; que ela não morre em pecado, mas renasce para a vida eterna; que isto lhe é dado à custa de um grave sofrimento mental, à custa do abandono de si mesma.

A necessidade de contrastar os dois personagens principais da história decorre, segundo o autor, não apenas da sua desigualdade social. O contraste enfatiza as diferentes orientações de valores destas pessoas. Ele mostra a nocividade da indiferença pregada pelo herói. E ao mesmo tempo afirma o grande poder do amor revelado pela heroína.

Com a ajuda do contraste, Bunin atinge outro objetivo global. O autor enfatiza a imagem artística central – o ícone. O ícone que representa Cristo torna-se o meio universal do escritor para a transformação espiritual e moral dos personagens. Graças a esta imagem, que leva ao Protótipo, Nadezhda é salva, esquecendo-se gradualmente dos pesadelos “becos escuros”. Graças a esta imagem, Nikolai também segue o caminho da salvação, beijando a mão de sua amada e assim recebendo o perdão. Graças a esta Imagem, na qual os personagens encontram a paz total, o próprio leitor pensa na sua vida. A imagem de Cristo o conduz para fora do labirinto da sensualidade até a ideia de Eternidade.

Por outras palavras, uma imagem artística é uma imagem generalizada da vida humana, transformada à luz do ideal estético do artista; a quintessência da realidade criativamente cognoscível. Na imagem artística há uma orientação para a unidade do objetivo e do subjetivo, do individual e do típico. Ele é a personificação da existência pública ou pessoal. Qualquer imagem que tenha clareza (aparência sensual), essência interna (significado, propósito) e uma lógica clara de auto-revelação também é chamada de artística.

2. Propriedades de uma imagem artística

Uma imagem artística possui características (propriedades) especiais que são exclusivas dela. Esse:

1) tipicidade,

2) orgânico (vivacidade),

3) orientação de valor,

4) eufemismo.

A tipicidade surge da estreita ligação da imagem artística com a vida e pressupõe a adequação do reflexo da existência. Uma imagem artística torna-se um tipo se generalizar características em vez de características aleatórias; se modelar uma impressão genuína e não artificial da realidade.

Isso, por exemplo, acontece com a imagem artística do velho Zósima do romance de F.M. Dostoiévski "Os Irmãos Karamazov". O herói nomeado é a imagem típica (coletiva) mais brilhante. O escritor cristaliza esta imagem após um estudo cuidadoso do monaquismo como modo de vida. Ao mesmo tempo, concentra-se em mais de um protótipo. O autor empresta a figura, a idade e a alma de Zósima do Élder Ambrose (Grenkov), com quem conheceu e conversou pessoalmente em Optina. Dostoiévski assume a aparência de Zósima do retrato do Ancião Macário (Ivanov), que foi o mentor do próprio Ambrósio. Zósima “recebeu” sua mente e espírito de São Tikhon de Zadonsk.

Graças à tipicidade das imagens literárias, os artistas fazem não apenas generalizações profundas, mas também conclusões de longo alcance; avaliar com sobriedade a situação histórica; Eles até olham para o futuro.

É isso que M.Yu faz, por exemplo. Lermontov no poema “Previsão”, onde prevê claramente a queda da dinastia Romanov:

O ano chegará, o ano negro da Rússia,

Quando a coroa do rei cair;

A multidão esquecerá seu antigo amor por eles,

E o alimento de muitos será a morte e o sangue...

A natureza orgânica da imagem é determinada pela naturalidade da sua concretização, pela simplicidade de expressão e pela necessidade de inclusão no sistema geral de imagens. A imagem então se torna orgânica quando fica em seu lugar e é usada para o propósito pretendido; quando cintila com os significados que lhe são atribuídos; quando com sua ajuda começa a funcionar o organismo mais complexo da criação literária. A natureza orgânica da imagem reside na sua vivacidade, emotividade, sensibilidade, intimidade; no que faz poesia poesia.

Tomemos, por exemplo, duas imagens do outono de poetas cristãos pouco conhecidos como São Barsanuphius (Plikhankov) e L.V. Sidorov. Ambos os artistas têm o mesmo tema narrativo (outono), mas vivem e pintam-no de forma diferente.

O Monge Barsanuphius associa o outono à tristeza e decepção na vida. O herói lírico não vê nada de bom para si nesta época do ano. Apenas mau tempo e desculpas do “passado”:

Vento, chuva e frio,

E rebelião da alma e fome,

E pensamentos e sonhos passados,

Como folhas caídas das árvores...

Esta vida terrena é triste!

Mas por trás disso há outro -

A região da felicidade eterna, paraíso,

O reino da beleza não noturna.

A imagem do outono aqui é bastante verossímil. Corresponde tanto à frieza quanto às reflexões sobre o passado. No entanto, a imagem do outono parece artificial e racionalista. Ele “arranca” o herói lírico da árvore com muita força. Sem qualquer conexão ele chama para o céu.

Mas L. V. O outono de Sidorov parece completamente diferente. O poeta, retratando a beleza do definhamento da natureza, parece cantar uma canção:

A floresta está vestida com cores vivas

O pássaro nele não canta mais,

O sol nos dá suas últimas carícias:

O outono tranquilo está chegando.

Alegrias passadas, alegrias distantes,

A alegria não vive mais.

Pensamentos tristes estão se reunindo cada vez mais de perto:

O outono tranquilo está chegando.

Diferentes folhas amarelas e vermelhas

Eles voam silenciosamente ao vento,

Na noite as estrelas escuras de diamante

Mais brilhante do que antes...

A imagem da natureza nessas linhas parece tão viva e brilhante que alguma imperfeição da forma é completamente esquecida. O poeta não fala apenas da morte da floresta no outono, do calor e da alegria. Ele misteriosamente intriga, encanta e acalma o leitor. Faz você dormir com a melodia calma da fala; interrupções silenciosas de ritmo (“o outono tranquilo está chegando”), imagens profundamente sentidas.

É bastante óbvio que as imagens artísticas do poema de L.V. são verdadeiramente orgânicas (vivas), naturais e poéticas. Sidorova. A sua floresta, onde o “pássaro” já não canta; o seu céu profundo com estrelas “diamantes” revela o fenómeno do outono com a máxima plenitude e transmite claramente o seu espírito.

A orientação valorativa é imposta à imagem artística pela visão de mundo do autor e pela função axiológica da obra. Como o artista comprova seu argumento, geralmente por meio de imagens, nenhum deles fica descompromissado. Quase todo mundo afirma ou nega alguma coisa; e acaba não sendo dado, mas dado ou orientado para valores.

Assim, a imagem de uma pulseira de granada da já citada história de A. I. Kuprin centra-se em valores vitais. Esta é a felicidade terrena, a vida com o seu amado. A imagem da Estrela, desenhada por I.F. Annensky, eleva-se a valores ontológicos. Isso é verdade, luz, beleza. A imagem de um castelo (denotando o paraíso) no romance homônimo de F. Kafka volta-se para a filosofia do desespero e do antropocentrismo. O personagem principal do romance, um agrimensor, não consegue entrar no castelo, ou seja, demonstra total descrença. Mas a imagem da casa dos contrabandistas no “Taman” de Lermontov regressa ao sistema de coordenadas cristão, aos valores religiosos. Porque, tendo olhado para a casa dos contrabandistas e visto que ali não há ícones, Pechorin, como que incrédulo, acredita com toda a razão que se trata de um mau sinal.

Uma imagem artística pode ter diferentes “revestimentos” filosóficos ou religiosos. E quase sempre contribui para a construção das estruturas de valor da obra; serve para transmitir significado. Graças à orientação valorativa, a imagem artística adquire especial pungência, dinamismo e didatismo.

O eufemismo é o lirismo condensado ou laconicismo de uma imagem artística. O eufemismo surge numa atmosfera de tensão psicológica (ou social, espiritual, etc.) e é revelado pela inesperada auto-eliminação do autor, a conclusão dos seus lábios. 3.N. Gippius em “O Caderno do Amor” enfatiza: “Deixe o caderno permanecer fechado para sempre, // Deixe meu amor não ser dito.”42 O eufemismo dá mistério à imagem artística, dotando-a de profundidade semântica. O escritor não se apoia mais na palavra literária, mas no leitor, que é convidado ao diálogo e sintonizado na cocriação.

Assim, por exemplo, no já mencionado “quieto” “Outono” de L.V. Sidorov nada diz sobre a extraordinária pureza e transparência do ar do outono, ou sobre sua leveza e leveza. Tal silêncio é uma manifestação de eufemismo criativo. O poeta oferece um impulso inicial à reflexão: “noites escuras” e “estrelas de diamante”, um certo estado de espírito (“alegrias passadas”) e um programa para processar as informações recebidas: “mais brilhantes do que queimavam antes”. O leitor mantém o livre arbítrio e o espaço para a imaginação criativa. Ele determina de forma independente por que as estrelas neste momento brilham com mais brilho do que antes e condensa de forma independente as nuances de significado em torno da imagem artística dada a ele.

3. Tipologia (variedades) de imagens artísticas

A realidade artística de uma criação literária, via de regra, raramente se expressa em uma única imagem artística. Tradicionalmente surge de uma formação polissemântica; todo o sistema. Nesse sistema, muitas imagens diferem entre si e revelam pertencer a um determinado tipo, variedade. O tipo de imagem é determinado pela sua origem, finalidade funcional e estrutura.

Ao nível da origem distinguem-se dois grandes grupos de imagens artísticas: originais e tradicionais.

As imagens do autor, como o próprio nome sugere, nascem no laboratório criativo do autor “para as necessidades do dia”, “aqui e agora”. Eles crescem a partir da visão subjetiva do mundo do artista, da sua avaliação pessoal dos eventos, fenômenos ou fatos retratados. As imagens do autor são específicas, emocionais e individuais. Eles estão próximos do leitor com sua natureza humana real. Qualquer um pode dizer: “Sim, eu vi (experimentei, “senti”) algo semelhante”. Ao mesmo tempo, as imagens do autor são ontológicas (ou seja, têm uma ligação estreita com a existência, surgem dela), típicas e, portanto, sempre relevantes. Por um lado, estas imagens encarnam a história dos Estados e dos povos, compreendem cataclismos sócio-políticos (como o petrel de Gorky, que prevê e ao mesmo tempo apela à revolução). Por outro lado, criam uma galeria de tipos artísticos inimitáveis ​​que permanecem na memória da humanidade como verdadeiros modelos de existência.

Assim, por exemplo, a imagem do Príncipe Igor de “The Lay” modela o caminho espiritual de um guerreiro que está livre de vícios e paixões vis. A imagem de Eugene Onegin de Pushkin revela a “ideia” da nobreza decepcionada com a vida. Mas a imagem de Ostap Bender das obras de I. Ilf e E. Petrov personifica o caminho de uma pessoa obcecada por uma sede elementar de riqueza material.

As imagens tradicionais são emprestadas do tesouro da cultura mundial. Eles refletem as verdades eternas da experiência coletiva das pessoas nas diversas esferas da vida (religiosa, filosófica, social). As imagens tradicionais são estáticas, herméticas e, portanto, universais. Eles são usados ​​por escritores para um “avanço” artístico e estético no transcendental e transsubjetivo. O principal objetivo das imagens tradicionais é uma reestruturação espiritual e moral radical da consciência do leitor de acordo com o modelo “celestial”. Numerosos arquétipos e símbolos servem a esse propósito.

G. Sienkiewicz usa a imagem tradicional (símbolo) de forma muito reveladora no romance “Quo wadis”. Este símbolo é um peixe, que no Cristianismo representa Deus, Jesus Cristo e os próprios cristãos. O peixe é desenhado na areia por Lygia, uma bela polonesa por quem o personagem principal, Marcus Vinicius, se apaixona. O peixe é atraído primeiro pelo espião e depois pelo mártir Chilon Chilonides, em busca de cristãos.

O antigo símbolo cristão do peixe confere à narrativa do escritor não apenas um sabor histórico especial. O leitor, acompanhando os heróis, também começa a pensar no significado desse símbolo e a compreender misteriosamente a teologia cristã.

Em termos de finalidade funcional, existem imagens de heróis, imagens (fotos) da natureza, imagens de coisas e imagens de detalhes.

Por fim, no aspecto da construção (regras de alegoria, transferência de significados), distinguem-se imagens-símbolos artísticos e tropos.

4. Trilhas de arte

Na estilística e na retórica, os tropos artísticos são elementos da figuratividade do discurso. Caminhos (tropos gregos - frase) são figuras de linguagem especiais que lhe conferem clareza, vivacidade, emotividade e beleza. Os tropos implicam uma conversão de uma palavra, uma revolução na sua semântica. Eles surgem quando as palavras são usadas não no sentido literal, mas no sentido figurado; quando, através da comparação por contiguidade, os expressemas enriquecem-se mutuamente com um espectro de significados lexicais.

Por exemplo, em um dos poemas de A.K. Lemos Tolstoi:

Uma bétula foi ferida por um machado afiado,

Lágrimas rolaram pela casca prateada;

Não chore, pobre bétula, não reclame!

A ferida não é fatal, vai sarar no verão...

As linhas acima, na verdade, recriam a história de uma bétula na primavera que sofreu danos mecânicos na casca da árvore. A árvore, segundo o poeta, preparava-se para despertar de uma longa hibernação invernal. Mas apareceu um certo homem malvado (ou simplesmente distraído), quis beber seiva de bétula, fez uma incisão (entalhe), saciou a sede e foi embora. E o suco continua fluindo do corte.

A textura específica da trama é vivida de forma aguda por A.K. Tolstoi. Ele tem compaixão pela bétula e considera a sua história como uma violação das leis da existência, como uma violação da beleza, como uma espécie de drama mundial.

Para tanto, a artista recorre a substituições verbais e lexicais. O poeta chama o corte (ou entalhe) na casca de “ferida”. E a seiva da bétula são “lágrimas” (uma bétula, é claro, não pode tê-las). As trilhas ajudam o autor a identificar a bétula e a pessoa; expressar em um poema a ideia de misericórdia, compaixão por todos os seres vivos.

Na poética, os tropos artísticos mantêm o significado que têm na estilística e na retórica. Tropos são reviravoltas poéticas da linguagem que implicam uma transferência de significado.

Distinguem-se os seguintes tipos de tropos artísticos: metonímia, sinédoque, alegoria, comparação, metáfora, personificação, epíteto.

A metonímia é o tipo mais simples de alegoria, que envolve a substituição de um nome pelo seu sinônimo lexical (“machado” em vez de “machado”). Ou um resultado semântico (por exemplo, a era “de ouro” da literatura russa” em vez de: “literatura russa do século XIX”). A metonímia (transferência) é a base de qualquer tropo. Metonímicos, segundo M. R. Lvov, são “conexões por contiguidade”.

Sinédoque é uma metonímia em que um nome é substituído por um nome mais restrito ou mais amplo em semântica (por exemplo, “intrometido” em vez de “homem” (com nariz grande) ou “bípedes” em vez de “gente”). O nome substituído é identificado pelo seu traço característico, que dá nome ao nome substituto.

Uma alegoria é uma alegoria figurativa destinada à decodificação racional (por exemplo, o Lobo e o Caçador na famosa fábula de I. A. Krylov “O Lobo no Canil” são facilmente decifrados pelas imagens de Napoleão e Kutuzov). A imagem na alegoria desempenha um papel subordinado. Ele incorpora sensualmente alguma ideia significativa; serve como uma ilustração inequívoca, um “hieróglifo” de um conceito abstrato.

A comparação é uma metonímia que se revela em dois componentes: o comparado e o comparativo. E gramaticalmente é formado com a ajuda de conjunções: “como”, “como se”, “como se”, etc.

Por exemplo, S.A. Yesenina: “E as bétulas (componente de comparação) parecem (união) grandes velas (componente de comparação).”

A comparação ajuda você a ver um assunto de um ponto de vista novo e inesperado. Ele destaca características ocultas ou até então despercebidas nele; dá-lhe uma nova existência semântica. Assim, a comparação com velas “dá” às bétulas de Yesenin a harmonia, suavidade, calor e beleza ofuscante características de todas as velas. Além disso, graças a essa comparação, entende-se que as árvores estão vivas, mesmo estando diante de Deus (já que as velas, via de regra, queimam no templo).

Metáfora, de acordo com a definição justa de A.A. Potebny, há uma “comparação abreviada”. Ele detecta apenas um – o componente de comparação. Comparável – conjecturado pelo leitor. A metáfora é usada por A.K. Tolstoi na linha sobre a bétula ferida e chorando. O poeta aparentemente fornece apenas uma palavra substituta (componente comparativa) - “lágrimas”. E o substituído (componente comparado) - “seiva de bétula” - é conjecturado por nós.

A metáfora é uma analogia oculta. Este tropo cresce geneticamente a partir da comparação, mas não tem estrutura nem desenho gramatical (não são utilizadas conjunções “como”, “como se”, etc.).

Personificação é a personificação (“reavivamento”) da natureza inanimada. Graças à personificação, a terra, o barro e as pedras adquirem características antropomórficas (humanas) e organicidade.

Muitas vezes, a natureza é comparada a um misterioso organismo vivo nas obras do poeta russo S.A. Yesenina. Ele diz:

Onde estão os canteiros de repolho

O nascer do sol derrama água vermelha,

Bebê de bordo para o pequeno útero

O úbere verde é uma merda.

Um epíteto não é uma definição simples, mas metafórica. Surge pela combinação de conceitos diferentes (aproximadamente de acordo com o seguinte esquema: casca + prata = “casca prateada”). O epíteto abre os limites das características tradicionais de um objeto e acrescenta novas propriedades a eles (por exemplo, o epíteto “prata” confere ao objeto que lhe corresponde (“casca”) as seguintes novas características: “leve”, “brilhante ”, “puro”, “com preto”).

5. Imagens-símbolos artísticos

A imagem-símbolo artística se opõe fundamentalmente aos elementos figurativos do discurso. Possui uma estrutura única e uma finalidade especial.

O tropo surge no aspecto de uma substituição racional e facilmente legível de um nome por outro. Assume uma alegoria simples e inequívoca (as lágrimas são apenas seiva de bétula, o Lobo e o Caçador são apenas Napoleão e Kutuzov). Uma ideia abstrata, sentimento, ideia moral no tropo é substituída por uma imagem, uma “imagem”.

A imagem-símbolo está relacionada com imagens culturais tradicionais: símbolos e arquétipos (são “transformados” em imagens-símbolos pelo contexto literário). Ele revela uma alegoria complexa e polissemântica. Uma imagem-símbolo é uma comemoração não de uma coisa, ideia, fenômeno, mas de toda uma série de coisas, um espectro de ideias, um mundo de fenômenos. Esta imagem artística atravessa todos os planos da existência e incorpora o absoluto no relativo e o eterno no temporal. Como um símbolo universal, uma imagem-símbolo reúne conjuntos concebíveis de significados de uma coisa e, como resultado, torna-se (nas palavras de K.V. Bobkov) “como se fosse o centro de todos os significados, de onde seu desdobramento gradual pode ocorrer. ”

Vyach faz um comentário exaustivo sobre a polissemia de alguns signos. I. Ivanov no artigo “Simbolismo e Criatividade Religiosa”. Ele diz: “Não se pode dizer que a cobra, como símbolo, significa apenas “sabedoria”<...>. Caso contrário, um símbolo é um hieróglifo simples, e uma combinação de vários símbolos é uma alegoria figurativa, uma mensagem criptografada que deve ser lida usando a chave encontrada. Se o símbolo for um hieróglifo, então o hieróglifo é misterioso, significativo e com vários significados. Em diferentes esferas da consciência, o mesmo símbolo assume significados diferentes. Assim, a cobra tem uma relação significativa simultaneamente com a terra e a encarnação, o sexo e a morte, a visão e o conhecimento, a tentação e a santificação.”

Vemos um exemplo clássico de simbolização de uma imagem artística na bela miniatura de I.F. Annensky "Entre os Mundos":

Entre os mundos, no brilho das luminárias

Repito o nome de One Star...

Não porque eu a amava,

Mas porque definho com os outros.

E se a dúvida é difícil para mim,

Eu rezo somente para Ela por uma resposta,

Não porque está escuro sem Ela,

Mas porque com Ela não há necessidade de luz.

A estrela do poema do poeta não é apenas uma mulher amada. A estrela significa um sonho “azul”, um ideal inacessível e sublime, o sentido da vida, a verdade, o amor. Também pode mostrar a imagem de Cristo, que é a “estrela resplandecente da manhã”.

Pensando em imagens

Imagem de Cristo

Imagem romântica de um herói romântico

A imagem dos elementos furiosos

Noite tranquila de verão

Uma imagem do trabalho árduo das pessoas comuns

Imagem de perda trágica

Uma imagem da alegria desenfreada de um feriado nacional

Como é criada uma imagem artística?

Digitando

Isso acontece porque nos versos poéticos e nos sons da música encontramos o nosso “eu”, sentimentos e pensamentos que estão em sintonia com os nossos.

Um artista pode ver a mesma pessoa de maneiras completamente diferentes. O artista impressionista francês Auguste Renoir recorreu

Em diferentes épocas, a imagem do imortal Hamlet, Príncipe da Dinamarca, foi interpretada de forma diferente. No século 18 ele era a personificação da conversa fiada e tagarela, no século 19

Verdade e verossimilhança na arte

Desde os tempos antigos, as pessoas definiram o grau de perfeição das obras de arte de diferentes maneiras. O mais simples é descobrir quanto de produção

J. W. Goethe “Sobre a verdade e a verossimilhança nas obras de arte”

Mesmo uma cópia muito precisa fica sem vida e desinteressante.

Professora do MHC

Diapositivo 7.

Peculiaridades do pensamento artístico É sabido que no processo de criatividade o artista tenta transmitir a outra pessoa a informação estética que acumulou. Ou seja, ele organiza uma situação de diálogo artístico com o espectador, não o fazendo diretamente, mas através de um “intermediário” – uma obra de arte. A composição não é apenas a forma principal de uma pintura, mas também a principal forma de diálogo artístico entre criador e espectador. Ao mesmo tempo, a principal tarefa do pensamento composicional é organizar a forma desse diálogo.

Consideremos os dois aspectos mais importantes que moldam o pensamento composicional: Primeiro, são razões externas: o pensamento artístico e a composição de uma obra dependem das características da cultura em que existem. Com a mudança de época, seus rumos artísticos também desaparecem. A composição muda. Eles dependem da consciência pública, do modelo artístico de mundo e da visão de mundo atualmente aceito (embora quase todas as escolas de arte reivindiquem não apenas o papel principal e até mesmo a aparência de um ditador cultural, esforçando-se para se elevar acima da religião, da filosofia e, o mais importante, acima as necessidades políticas e económicas das pessoas). Em segundo lugar, existem razões internas: estas são as leis da forma artística, que permanecem inalteradas em todos os momentos. Essas são as leis do sistema, da estrutura, da integridade, que possuem características próprias e influenciam radicalmente o pensamento composicional.

As principais propriedades da composicionalidade são integridade, unidade de contradições, construtividade, fechamento e abertura da organização dos componentes individuais. Em diferentes períodos históricos existiram diferentes ideias artísticas e composicionais.

Citação importante: I. I. Ioffe escreve: “Cada obra de arte é função não de um momento histórico, mas de todo o sistema histórico. Cada obra de arte não é um conjunto mecânico de elementos, mas um sistema de elementos históricos, multitemporais e multiestágios. Fazendo parte da história, uma obra de arte é ela mesma um sistema histórico e, como sistema histórico, deve ser analisada. Seus limites com outras obras são condicionais, fluidos e transitórios. Portanto, a análise de uma única obra deve proceder do todo histórico, assim como a análise dos elementos individuais da obra deve proceder da sua totalidade, do todo, e não de um elemento particular. Esta é uma análise diferencial, em oposição à separação mecânica."

Simetria e ritmo como base da estrutura da composição Dois princípios fundamentais - simetria e ritmo - foram destacados por M. Alpatov como base da estrutura composicional. Ao mesmo tempo, ele acreditava que podemos falar de composição não só na arte, mas também de composição “natural” na natureza.

Composição na arte primitiva As imagens primitivas eram somas de figuras cuidadosamente elaboradas, mas separadas: “Devemos admitir”, escreve Alpatov, “que tal compreensão da composição é inerente ao pensamento muito primitivo, causada pela incapacidade do homem primitivo de generalizar. Só poderia existir num estágio inicial da cultura humana."

Composição na arte do Antigo Oriente Na composição do Antigo Oriente surge uma ordem quase rígida, a ligação dos objetos com o seu entorno, as formas geométricas, a divisão do campo em faixas horizontais e verticais e uma estreita ligação com a arquitetura . As composições dos frisos eram ao mesmo tempo um sinal e um ornamento. Eram mais complexos que os ornamentos, pois carregavam o significado da narrativa, mas não eram coloridos por um sentimento figurativo e eram antes uma complexa expressão hieroglífica de pensamento. Ao mesmo tempo, a tarefa principal, como na escrita, era a tarefa pictórica de resolver o plano, brilhantemente executada pelos artistas do Antigo Oriente.

Composição na arte do Antigo Egito As composições do Antigo Egito são completamente desprovidas de perspectiva, mas ao mesmo tempo foi desenvolvida uma lei especial para representar objetos em um plano. Há um desejo de criar uma “imagem de ideia especulativa”, algum sinal complexo. Portanto, a composição do friso era mais aceitável do que as construções em perspectiva.

Composição em obras de arte da Grécia Antiga Nas obras de artistas da Grécia Antiga, as partes individuais estão ligadas não só entre si, mas também com o todo, por isso Alpatov escreveu: “...As composições gregas adquirem maior unidade. É verdade que no relevo egípcio cada figura era lida como um elo incluído em uma longa corrente, mas esse elo, precisamente como um anel separado da corrente, estava conectado apenas ao elo vizinho. A composição grega é muito mais concebida como uma espécie de todo complexo, mas orgânico, no qual as partes individuais estão conectadas não apenas entre si, mas também com a composição inteira como um todo.” Contudo, ainda não há liberdade de composição. Ela aparece muito mais tarde. A arte grega antiga é caracterizada por uma composição complexa. O pensamento artístico atingiu um nível elevado aqui. Isso se manifestou não apenas em esculturas e composições de frisos, mas também em afrescos.

Composição na arte da Roma Antiga No afresco pompeiano “Odisseu e Aquiles no rei Licomedes”, o centro composicional se destaca claramente e uma hierarquia de relações rítmicas é construída. O afresco da antiguidade tardia lembra pinturas da Renascença e do século XVIII. , embora próximo da pintura em vasos do século V. AC e. O contorno contínuo de grupos característico dos artistas renascentistas está quase ausente. Sente-se alguma fragmentação e maior liberdade no manejo do avião, em grande parte perdida pelo classicismo europeu.

A professora de arte Tolkacheva E.Yu.

Alvo: Formação de competências-chave nos alunos, incl. compreensão da cultura artística mundial como um valor estético, cuja posse é um componente do modelo moderno de pós-graduação.

Tarefas:

1. Apresentar aos alunos o conceito de “imagem artística”.

2. Revele a natureza da imagem artística.

3. Promover uma atitude criativa para a compreensão de obras de vários tipos de arte.

Formato da aula: discussão-lição.

Durante as aulas.

Deslize 1.

Professor: Toda obra de arte contém uma ideia expressa em um objeto específico retratado pelo autor da obra, seja ele um músico ou artista, um escultor ou um poeta. Uma obra de arte não pode ser considerada arte se não carrega algum significado alegórico, mesmo que vejamos e compreendamos o que o seu autor nos retratou. Arte é arte porque o fundo semântico nela contido carrega algo mais.

Qualquer imagem está associada a uma intenção subjetiva do autor, que é recriada e incorporada em uma imagem ou outra. A lição de hoje nos permitirá conhecer os segredos da imagem artística.

Ouçam, pessoal, um trecho de uma lenda antiga.

Diapositivo 2.

Estudante: Uma antiga lenda conta sobre uma competição entre dois pintores - Zeuxis e Parrhasius. Eles discutiram sobre qual deles era mais talentoso, e cada um decidiu surpreender as pessoas com algo inusitado, fora do comum. Pintava-se um cacho de uvas de tal maneira que os pássaros, desavisados, voavam para bicar os frutos. Outro pintou uma cortina em cima do quadro, com tanta habilidade que um adversário que veio ver seu trabalho tentou arrancar a capa pintada.

Professor: O que vocês acham, quem foi premiado com a vitória?

(Respostas dos alunos)

– Sim, a vitória foi atribuída ao segundo pintor, pois é muito mais difícil “enganar” um artista do que os pássaros.

Desde os tempos antigos, as pessoas medem o grau de perfeição das obras de arte de diferentes maneiras. O método mais simplificado exigia descobrir o quão semelhante uma obra de arte é à vida. Parece que tudo está claro. Se for assim, ótimo. Se for muito parecido, é talentoso. E se é tão parecido com a vida que é impossível perceber a diferença, então é brilhante. Vamos tentar avaliar vários trabalhos.

Deslize 3.

– Aqui estão obras que retratam a mesma época do ano - outono. Qual deles parece mais perfeito para você e qual menos? Por que?

(Respostas dos alunos explicando o seu ponto de vista).

Diapositivo 4.

– Muitos filósofos, por exemplo Aristóteles, acreditavam que não se pode esperar que um artista seja absolutamente verdadeiro em sua “imitação” da natureza. Aristóteles disse corretamente que “a arte completa parcialmente o que a natureza não é capaz de fazer”. Veja a reprodução da pintura “La Giaconda” de Leonardo da Vinci e tente provar a veracidade das palavras de Aristóteles.

(Respostas dos alunos)

Diapositivo 5.

– Mais tarde, o poeta alemão J. W. Goethe escreveu no seu artigo “Sobre a verdade e a verossimilhança nas obras de arte”: “Um artista que é grato à natureza... traz de volta para ela... uma espécie de segunda natureza, mas uma natureza nascida do sentimento e do pensamento, natureza humanamente completa”. Assim, o artista não deve, em hipótese alguma, lutar por uma reprodução absolutamente precisa da realidade. Para confirmar isso, vemos no slide o trabalho de Claude Monet. É possível dizer que o mar retratado pelo pintor é verdadeiro e realista?

(Respostas dos alunos.)

Diapositivo 6.

– No slide você vê estruturas arquitetônicas. O que eles lembram você?(Respostas dos alunos).

– Hoje costuma-se dizer que um artista pensa em imagens, mas a própria arte é definida pela já clássica frase de VG Belinsky: “Arte é pensar em imagens”. Mas o que há de especial no pensamento artístico? Onde está o segredo da imaginação criativa que dá origem a um mundo em que vivem os heróis das obras, se desenrolam acontecimentos dramáticos e se decidem os destinos das pessoas? O segredo está no nosso conhecimento do mundo que nos rodeia e na nossa atitude em relação a ele.

Na vida cotidiana estamos rodeados de muitas coisas, vários eventos e fenômenos se desenrolam diante de nossos olhos. Todos estes são pré-requisitos necessários para a criação de obras de arte. Mas eles se tornam assim apenas na refração dos pensamentos e na expressão dos sentimentos humanos. Nem todo mundo é capaz de expressar claramente suas experiências. Somente artistas podem fazer isso.

Diapositivo 7.

Uma obra de arte combina os fenômenos da realidade e a imaginação criativa do artista. Ele vê o mundo “através do cristal mágico” da percepção artística. Em sua mente nasce uma imagem artística - uma forma especial de refletir a vida, na qual o próprio mundo de sentimentos e experiências do artista é refratado.

Uma imagem artística apenas à primeira vista parece ser um “instantâneo” da realidade. Na verdade, é uma janela para o vasto mundo de pensamentos, sentimentos e ideias do artista. Sem sua atitude individual perante a vida, seu humor pessoal, não há imagem artística. Uma cópia, mesmo que muito precisa, é sem vida e desinteressante. Por outro lado, uma imagem artística é sempre um pouco misteriosa, um mistério. Aqui estão várias imagens da mesma pessoa - o compositor austríaco Wolfgang Amadeus Mozart.

(Os alunos recebem uma tarefa escrita para descrever a imagem do compositor, escolhendo uma das imagens. Soa a música de A. Mozart).

– Como a imagem de um grande gênio aparece diante de você?(Pesquisa relâmpago) .

– Qual deve ser a relação entre ficção e realidade em uma obra de arte? Voltemo-nos para a comédia do antigo dramaturgo grego Aristófanes “Rãs”.

Diapositivo 8.

(Os alunos dramatizam um trecho de uma comédia.)

(Descreve uma disputa entre dois grandes trágicos - Ésquilo e Eurípides. À pergunta de Ésquilo: “Por que um poeta deveria ser admirado?” - Eurípides responde: “Pela sua arte e pelas suas instruções - porque nós (isto é, poetas) fazemos o melhor pessoas no estado." Eurípides repreende Ésquilo por trazer ao palco "horrores impossíveis, desconhecidos do espectador", mostrando as pessoas como deveriam ser, e não como realmente são. O próprio Eurípides aparece aqui como um naturalista rude, explicando seus pontos de vista sobre arte da seguinte forma:

Eu trouxe à tona nossa vida, costumes, hábitos no drama,

Qualquer um poderia me verificar.

Compreendendo tudo, o espectador

Ele poderia ter me condenado, mas não me vangloriei em vão.

Afinal, o espectador descobrirá por si mesmo, e eu não o assustei...) Gente, de que lado está Aristófanes? Qual deles está mais certo?

(Respostas dos alunos).

O autor da peça dá preferência a Ésquilo, que cria uma pessoa moral e “esconde coisas imorais”. A partir de seus “discursos verdadeiros” a cidade ficou repleta de “cafetões”, “vagabundos”, “escribas e bufões”, “esposas infiéis”. A respeito de Eurípides, Aristófanes exclama: “Que tipo de problemas ele causou!” A conclusão é:

Zeus vê, isso é verdade, mas os poetas devem esconder todas as coisas vergonhosas

E eles não deveriam ser trazidos ao palco; não há necessidade de prestar atenção a eles

Assim como um professor instrui as crianças em suas mentes, as pessoas que já são adultas são poetas.

Somente o que é útil deve um poeta glorificar.

Como vemos, a verdade nua e crua por si só não pode ser o principal critério da arte. Mas até que ponto a ficção é permitida na arte? Um pensamento interessante a esse respeito foi expresso pelo artista chinês Qi Baishi: “É preciso pintar de tal forma que a imagem fique em algum lugar entre o semelhante e o diferente. Muito semelhante é uma imitação da natureza; muito pouco semelhante é uma falta de respeito por ela.”

Diapositivo 9.

– Nesse sentido, precisamos conhecer um conceito como a convenção na arte, sem a qual é impossível compreender a essência de uma imagem artística. Convencionalidade na arte é uma mudança nas formas usuais de objetos e fenômenos por vontade do artista. Convenção é algo que não se encontra no mundo exterior. Convencionalmente, por exemplo, dividir uma peça em atos e ações. Na vida, a cortina não cai no lugar mais interessante e a morte do herói não espera até o final da performance. Uma velha piada teatral: “Por que ele morreu? “Do quinto ato.” Numa apresentação de balé, não nos parece estranho que diante da morte ou ao declarar seu amor, os personagens executem determinados movimentos rítmicos e criem um complexo padrão coreográfico. A “mudez” dos bailarinos apenas nos permite realçar ainda mais a eloquência dos seus gestos.

E quantos incidentes fascinantes foram inventados por escritores de ficção científica! Voos para outros planetas, encontros com marcianos inexistentes, guerras com eles... Lembre-se de “Aelita” de AN Tolstoy ou “Guerra dos Mundos” de H. Wells. Isso é realismo? Claro que não. Mas essas obras estão tão longe da vida? Tanto na fantasia quanto nos contos de fadas, o implausível é habilmente misturado com o real. Lembre-se das palavras de A.S. Pushkin: “Um conto de fadas é uma mentira, mas há uma dica nele!..” Em outras palavras, uma obra de arte nos detalhes, nos particulares pode se permitir ser ficção, mas no principal - em uma história sobre as pessoas, deve ser verdadeiro.

Diapositivo 10.

– Você já viu a pintura “Terra dos Preguiçosos” de P. Bruegel? A princípio parece distante da realidade, mas é preciso saber decifrar sua linguagem convencional. Tente você mesmo.

(Exemplos de respostas: Nosso olhar é atraído pelas figuras de três preguiças deitadas no chão: um soldado, um camponês e um escritor (possivelmente um estudante viajante). Há muitos detalhes interessantes na imagem que você não percebe imediatamente. Uma paliçada tecida com salsichas e uma montanha de papas doces cercam a terra da abundância. Um porco assado corre pelo prado com uma faca na lateral, como se se oferecesse para se cortar em pedaços, bolos fundidos que lembram um cacto, um ovo no pernas... E o telhado, servindo de abrigo do sol em forma de tampo redondo, é enfiado no tronco de uma árvore e carregado com todos os tipos de pratos... Todos esses detalhes artísticos realçam ainda mais o espetáculo do “mundial preguiça” e ao mesmo tempo encarnar alegoricamente o sonho eterno de abundância, prosperidade, uma vida pacífica e despreocupada).

– A “escala de convenções” na arte pode expandir-se ou contrair-se. Se se expandir, surge uma questão razoável: “A verossimilhança está demasiado comprometida?” Se, pelo contrário, for estreitado, corre-se o risco de cair no naturalismo. A convenção nunca é um fim em si para um artista; é apenas um meio de transmitir os pensamentos do autor. O artista não deve perder o senso de proporção no uso das convenções, caso contrário poderá destruir a imagem artística.

Diapositivo 11 (no contexto da música de Saint-Saëns “O Cisne”).

A seguinte série de vídeos irá ajudá-lo a ver e ouvir imagens artísticas em diversas obras de arte e mais uma vez confirmar que uma imagem artística é uma forma especial de refletir a vida, na qual não apenas o mundo de sentimentos e experiências do próprio artista é refratado, mas também o mundo dos sentimentos de todos aqueles que o veem, ouvem e compreendem.

Diapositivo 12.

Trabalho de casa (variável) :

1. É possível concordar com a afirmação de Platão de que a arte, que reproduz o mundo objetivo, é apenas uma “sombra de uma sombra”, uma “cópia de uma cópia” do mundo real? Explique sua resposta.

2. O poeta inglês W. Blake tem os seguintes poemas:

Veja a eternidade em um momento,

Um mundo enorme num grão de areia,

Em um único punhado - infinito

E o céu está no copo de uma flor.

Que relação podem ter estas palavras do poeta com a natureza da imagem artística? Explique sua resposta.
3. Prepare um ensaio “Verdade e ficção em obras de ficção ou contos populares”.