Centro informazioni "casa centrale della conoscenza". Riassunto: Immagine artistica di P

1. Immagine artistica: il significato del termine

2. Proprietà di un'immagine artistica

3. Tipologia (varietà) di immagini artistiche

4. Percorsi d'arte

5. Immagini-simboli artistici

1. Immagine artistica: il significato del termine

Nel senso più generale, un'immagine è una rappresentazione sensoriale di un'idea specifica. Le immagini sono oggetti percepiti empiricamente e veramente sensoriali in un'opera letteraria. Queste sono immagini visive (immagini della natura) e uditive (il suono del vento, il fruscio delle canne). Olfattivo (odori di profumo, aromi di erbe) e gustativo (gusto di latte, biscotti). Le immagini sono tattili (tatto) e cinetiche (legate al movimento). Con l'aiuto delle immagini, gli scrittori indicano nelle loro opere un'immagine del mondo e dell'uomo; rilevare il movimento e la dinamica dell’azione. L'immagine è anche una certa formazione olistica; pensiero incarnato in un oggetto, fenomeno o persona.

Non tutte le immagini diventano artistiche. L’arte di un’immagine risiede nel suo scopo speciale – estetico. Cattura la bellezza della natura, del mondo animale, dell'uomo e delle relazioni interpersonali; rivela la perfezione segreta dell'essere. L'immagine artistica è chiamata a testimoniare la bellezza che è al servizio del bene comune e afferma l'armonia del mondo.

In termini di struttura di un'opera letteraria, un'immagine artistica è la componente più importante della sua forma. Un'immagine è un modello sul “corpo” di un oggetto estetico; il principale ingranaggio “trasmettitore” del meccanismo artistico, senza il quale lo sviluppo dell'azione e la comprensione del significato è impossibile. Se l'opera d'arte è l'unità fondamentale della letteratura, l'immagine artistica è l'unità fondamentale della creazione letteraria. Utilizzando immagini artistiche, viene modellato l'oggetto della riflessione. L'immagine esprime paesaggi e oggetti interni, eventi e azioni dei personaggi. Nelle immagini traspare l'intenzione dell'autore; l'idea principale e generale è incarnata.

Pertanto, nella stravaganza di A. Green "Scarlet Sails", il tema principale dell'amore nell'opera si riflette nell'immagine artistica centrale: le vele scarlatte, che significano un sublime sentimento romantico. L'immagine artistica è il mare, in cui Assol scruta, aspettando una nave bianca; la trascurata e scomoda taverna Menners; un insetto verde che striscia lungo una linea con la parola "guarda". L'immagine artistica (l'immagine del fidanzamento) è il primo incontro di Gray con Assol, quando il giovane capitano gli mette l'anello della fidanzata al dito; dotare la nave di Gray di vele scarlatte; bere vino che nessuno avrebbe dovuto bere, ecc.

Le immagini artistiche che abbiamo evidenziato: il mare, una nave, vele scarlatte, una taverna, un insetto, vino: questi sono i dettagli più importanti della forma della stravaganza. Grazie a questi dettagli l’opera di A. Green inizia a “vivere”. Riceve i personaggi principali (Assol e Gray), il luogo del loro incontro (il mare), così come le sue condizioni (una nave con vele scarlatte), un mezzo (uno sguardo con l'aiuto di un insetto) e un risultato (fidanzamento, matrimonio).

Con l'aiuto delle immagini, lo scrittore afferma una semplice verità. Si tratta di “fare i cosiddetti miracoli con le proprie mani”.

Nell'aspetto della letteratura come forma d'arte, l'immagine artistica è la categoria centrale (oltre che un simbolo) della creatività letteraria. Agisce come una forma universale per padroneggiare la vita e allo stesso tempo un metodo per comprenderla. Le attività sociali, i cataclismi storici specifici, i sentimenti e i personaggi umani e le aspirazioni spirituali sono compresi nelle immagini artistiche. Sotto questo aspetto l'immagine artistica non si limita a sostituire il fenomeno che denota né a generalizzarne i tratti caratteristici. Racconta i fatti reali della vita; li conosce in tutta la loro diversità; rivela la loro essenza. I modelli dell'esistenza sono disegnati artisticamente, le intuizioni e le intuizioni inconsce sono verbalizzate. Diventa epistemologico; apre la strada alla verità, al prototipo (in questo senso si tratta dell'immagine di qualcosa: il mondo, il sole, l'anima, Dio).

Pertanto, la funzione di "conduttore" verso il prototipo di tutte le cose (l'immagine divina di Gesù Cristo) è acquisita da un intero sistema di immagini artistiche nella storia di I. A. Bunin "Dark Alleys", che parla dell'incontro inaspettato dei principali personaggi: Nikolai e Nadezhda, una volta collegati da legami di amore peccaminoso e vaganti nel labirinto della sensualità (nei “vicoli bui”, secondo l'autore).

Il sistema figurativo dell'opera si basa su un netto contrasto tra Nicola (un aristocratico e generale che sedusse e abbandonò la sua amata) e Nadezhda (una contadina, proprietaria di una locanda, che non dimenticò né perdonò mai il suo amore).

L'aspetto di Nikolai, nonostante la sua età avanzata, è quasi impeccabile. È ancora bello, elegante e in forma. Il suo volto mostra chiaramente dedizione e lealtà al suo lavoro. Tuttavia, tutto ciò è solo un involucro privo di significato; bozzolo vuoto. Nell’anima del brillante generale c’è solo sporcizia e “l’abominio della desolazione”. L'eroe appare come una persona egoista, fredda, insensibile e incapace di agire anche per raggiungere la propria felicità personale. Non ha obiettivi elevati, né aspirazioni spirituali o morali. Galleggia alla volontà delle onde, è morto nell'anima. In senso letterale e figurato, Nikolai percorre una “strada sporca” e quindi assomiglia molto al “tarantass coperto di fango” dello scrittore con un cocchiere che sembra un ladro.

L'aspetto di Nadezhda, l'ex amante di Nikolai, al contrario, non è molto attraente. La donna ha conservato tracce della sua antica bellezza, ma ha smesso di prendersi cura di se stessa: è ingrassata, è diventata brutta ed è diventata "obesità". Tuttavia, nella sua anima Nadezhda conservava la speranza per il meglio e persino l'amore. La casa dell'eroina è pulita, calda e accogliente, il che testimonia non la semplice diligenza o cura, ma anche la purezza dei sentimenti e dei pensieri. E la "nuova immagine dorata (icona - P.K.) nell'angolo" denota chiaramente la religiosità della padrona di casa, la sua fede in Dio e nella Sua Provvidenza. Dalla presenza di questa immagine, il lettore indovina che Nadezhda trova la vera fonte del Bene e di tutto il Bene; che non muore nel peccato, ma rinasce alla vita eterna; che questo le viene dato a costo di una grave sofferenza mentale, a costo dell'abbandono di se stessa.

La necessità di contrapporre i due personaggi principali della storia nasce, secondo l'autore, non solo dalla loro disuguaglianza sociale. Il contrasto sottolinea i diversi orientamenti di valore di queste persone. Mostra la nocività dell'indifferenza predicata dall'eroe. E allo stesso tempo afferma la grande forza dell'amore rivelato dall'eroina.

Con l'aiuto del contrasto, Bunin raggiunge un altro obiettivo globale. L'autore sottolinea l'immagine artistica centrale: l'icona. L’icona raffigurante Cristo diventa il mezzo universale dello scrittore per la trasformazione spirituale e morale dei personaggi. Grazie a questa immagine, che porta al Prototipo, Nadezhda viene salvata, dimenticandosi gradualmente dei “vicoli bui” da incubo. Grazie a questa immagine, anche Nikolai intraprende la via della salvezza, baciando la mano della sua amata e ricevendo così il perdono. Grazie a questa immagine, in cui i personaggi trovano completa pace, il lettore stesso pensa alla sua vita. L'immagine di Cristo lo conduce fuori dal labirinto della sensualità verso l'idea dell'Eternità.

In altre parole, un’immagine artistica è un’immagine generalizzata della vita umana, trasformata alla luce dell’ideale estetico dell’artista; la quintessenza della realtà creativamente conoscibile. Nell'immagine artistica c'è un orientamento verso l'unità dell'oggettivo e soggettivo, individuale e tipico. È l'incarnazione dell'esistenza pubblica o personale. Qualsiasi immagine che abbia chiarezza (aspetto sensuale), essenza interna (significato, scopo) e una chiara logica di rivelazione di sé è anche chiamata artistica.

2. Proprietà di un'immagine artistica

Un'immagine artistica ha caratteristiche (proprietà) speciali che le sono uniche. Questo:

1) tipicità,

2) organico (vivacità),

3) orientamento al valore,

4) eufemismo.

La tipicità nasce sulla base dello stretto legame dell'immagine artistica con la vita e presuppone l'adeguatezza del riflesso dell'esistenza. Un'immagine artistica diventa un tipo se generalizza tratti caratteristici piuttosto che casuali; se modella un'impressione genuina e non artificiosa della realtà.

Questo, ad esempio, accade con l'immagine artistica dell'anziano Zosima dal romanzo di F.M. Dostoevskij "I fratelli Karamazov". L'eroe nominato è l'immagine tipica (collettiva) più brillante. Lo scrittore cristallizza questa immagine dopo un attento studio del monachesimo come stile di vita. Allo stesso tempo, si concentra su più di un prototipo. L'autore prende in prestito la figura, l'età e l'anima di Zosima dall'anziano Ambrose (Grenkov), con il quale ha incontrato e parlato personalmente ad Optina. Dostoevskij prende l'aspetto di Zosima dal ritratto dell'anziano Macario (Ivanov), che era il mentore dello stesso Ambrogio. Zosima "ha preso" la sua mente e il suo spirito da San Tikhon di Zadonsk.

Grazie alla tipicità delle immagini letterarie, gli artisti fanno non solo generalizzazioni profonde, ma anche conclusioni di vasta portata; valutare con sobrietà la situazione storica; Guardano anche al futuro.

Questo è ciò che fa M.Yu., per esempio. Lermontov nella poesia “Predizione”, dove prevede chiaramente la caduta della dinastia dei Romanov:

Verrà l'anno, l'anno nero della Russia,

Quando la corona del re cade;

La folla dimenticherà l'amore che provava per loro,

E il cibo di molti sarà morte e sangue...

La natura organica dell'immagine è determinata dalla naturalezza della sua incarnazione, dalla semplicità dell'espressione e dalla necessità di inclusione nel sistema generale dell'immagine. L'immagine diventa quindi organica quando si trova al suo posto e viene utilizzata per lo scopo previsto; quando tremola con i significati che gli vengono attribuiti; quando con il suo aiuto comincia a funzionare l'organismo più complesso della creazione letteraria. L'organicità dell'immagine risiede nella sua vivacità, emotività, sensibilità, intimità; in ciò che rende la poesia poesia.

Prendiamo, ad esempio, due immagini dell'autunno di poeti cristiani poco conosciuti come San Barsanufio (Plikhankov) e L.V. Sidorov. Entrambi gli artisti hanno lo stesso soggetto narrativo (l'autunno), ma lo vivono e lo dipingono in modo diverso.

Il monaco Barsanufio associa l'autunno alla tristezza e alla delusione nella vita. L'eroe lirico non vede nulla di buono per se stesso in questo periodo dell'anno. Solo maltempo e scuse del “passato”:

Vento, pioggia e freddo,

E ribellione dell'anima e fame,

E pensieri e sogni passati,

Come le foglie cadute dagli alberi...

Questa vita terrena è triste!

Ma dietro ce n'è un altro -

La regione dell'eterna beatitudine, del paradiso,

Il regno della bellezza non serale.

L'immagine dell'autunno qui è abbastanza credibile. Corrisponde sia alla freddezza che alle riflessioni sul passato. Tuttavia, l'immagine dell'autunno sembra artificiale e razionalistica. "Coglie" l'eroe lirico dall'albero troppo duramente. Senza alcuna connessione chiama al cielo.

Ma L.V. L'autunno di Sidorov sembra completamente diverso. Il poeta, descrivendo la bellezza della natura che appassisce, sembra cantare una canzone:

La foresta è vestita di colori vivaci

L'uccello in esso non canta più,

Il sole ci dona le sue ultime carezze:

L'autunno tranquillo sta arrivando.

Gioie passate, gioie lontane,

La gioia non vive più.

I pensieri tristi si stanno radunando sempre più da vicino:

L'autunno tranquillo sta arrivando.

Diverse foglie gialle e rosse

Volano silenziosi nel vento,

Nella notte le stelle scure del diamante

Più luminoso di prima...

L'immagine della natura in queste righe sembra così viva e luminosa che alcune imperfezioni della forma vengono completamente dimenticate. Il poeta non parla solo della morte autunnale della foresta, del calore e della gioia. Misteriosamente incuriosisce, incanta e fa addormentare il lettore. Ti fa addormentare con la calma melodia della parola; silenziose interruzioni del ritmo (“l'autunno tranquillo sta arrivando”), immagini profondamente sentite.

È abbastanza ovvio che le immagini artistiche nella poesia di L.V. sono veramente organiche (viventi), naturali e poetiche. Sidorova. La sua foresta, in cui l'“uccello” non canta più; il suo cielo profondo con stelle “diamanti” rivela il fenomeno dell'autunno con la massima completezza e ne trasmette chiaramente lo spirito.

L'orientamento valoriale è imposto all'immagine artistica dalla visione del mondo dell'autore e dalla funzione assiologica dell'opera. Dal momento che l'artista dimostra la sua tesi, di solito attraverso le immagini, nessuna di queste resta esentata. Quasi tutti affermano o negano qualcosa; e risulta non essere dato, ma dato o orientato al valore.

Pertanto, l'immagine di un braccialetto di granato della già citata storia di A. I. Kuprin si concentra sui valori vitali. Questa è la felicità terrena, la vita con la persona amata. L'immagine della Stella, disegnata da I.F. Annensky, eleva a valori ontologici. Questa è verità, luce, bellezza. L'immagine del castello (che indica il paradiso) nel romanzo omonimo di F. Kafka si rivolge alla filosofia della disperazione e dell'antropocentrismo. Il personaggio principale del romanzo, un agrimensore, non può entrare nel castello, cioè dimostra completa mancanza di fede. Ma l’immagine della casa dei contrabbandieri nel “Taman” di Lermontov ritorna al sistema di coordinate cristiano, ai valori religiosi. Perché, dopo aver guardato nella casa dei contrabbandieri e visto che non ci sono icone lì, Pecorin, come incredulo, crede assolutamente correttamente che questo sia un brutto segno.

Un'immagine artistica può avere diversi “fodere” filosofici o religiosi. E quasi sempre contribuisce alla costruzione delle strutture valoriali dell'opera; serve a trasmettere il significato. Grazie all'orientamento al valore, l'immagine artistica acquisisce particolare intensità, dinamismo e didattica.

L'eufemismo è il lirismo condensato o il laconicismo di un'immagine artistica. L'eufemismo nasce in un'atmosfera di tensione psicologica (o sociale, spirituale, ecc.) E si rivela dall'inaspettata autoeliminazione dell'autore, dalla conclusione delle sue labbra. 3.N. Gippius in "The Notebook of Love" sottolinea: "Lascia che il taccuino rimanga chiuso per sempre, // Lascia che il mio amore non sia detto."42 L'eufemismo conferisce mistero all'immagine artistica, le conferisce profondità semantica. Gli scrittori non si affidano più alla parola letteraria, ma al lettore, che è invitato al dialogo e sintonizzato sulla co-creazione.

Quindi, ad esempio, nel già citato “tranquillo” “Autunno” di L.V. Sidorov non dice nulla sulla straordinaria purezza e trasparenza dell'aria autunnale, o sulla sua leggerezza e assenza di gravità. Tale silenzio è una manifestazione di eufemismo creativo. Il poeta offre un primo impulso di riflessione: "notti oscure" e "stelle di diamanti", un certo stato d'animo ("gioie passate") e un programma per elaborare le informazioni ricevute: "più luminose di quanto bruciassero prima". Il lettore conserva sia il libero arbitrio che lo spazio per l'immaginazione creativa. Determina in modo indipendente perché le stelle in questo momento bruciano più luminose di prima e condensa in modo indipendente le sfumature di significato attorno all'immagine artistica che gli è stata data.

3. Tipologia (varietà) di immagini artistiche

La realtà artistica di una creazione letteraria, di regola, raramente si esprime in un'unica immagine artistica. Tradizionalmente nasce da una formazione polisemantica; l'intero sistema. In questo sistema, molte immagini differiscono l'una dall'altra e rivelano l'appartenenza a un certo tipo, varietà. Il tipo di immagine è determinato dalla sua origine, scopo funzionale e struttura.

A livello di origine si distinguono due grandi gruppi di immagini artistiche: originali e tradizionali.

Le immagini dell'autore, come suggerisce il nome stesso, nascono nel laboratorio creativo dell'autore “per le esigenze del giorno”, “qui e ora”. Nascono dalla visione soggettiva del mondo dell'artista, dalla sua valutazione personale degli eventi, fenomeni o fatti rappresentati. Le immagini dell'autore sono specifiche, emotive e individuali. Sono vicini al lettore con la loro vera natura umana. Chiunque può dire: “Sì, ho visto (vissuto, “sentito”) qualcosa di simile”. Allo stesso tempo, le immagini dell'autore sono ontologiche (cioè hanno uno stretto legame con l'esistenza, ne derivano), tipiche e quindi sempre attuali. Da un lato, queste immagini incarnano la storia degli stati e dei popoli, comprendono cataclismi socio-politici (come la procellaria di Gorky, che prevede e allo stesso tempo chiede la rivoluzione). D'altro canto creano una galleria di tipologie artistiche inimitabili che rimangono nella memoria dell'umanità come veri e propri modelli di esistenza.

Quindi, ad esempio, l'immagine del principe Igor di "The Lay" modella il percorso spirituale di un guerriero liberato dai vizi e dalle passioni vili. L'immagine di Eugene Onegin di Pushkin rivela l '"idea" della nobiltà delusa dalla vita. Ma l'immagine di Ostap Bender dalle opere di I. Ilf ed E. Petrov personifica il percorso di una persona ossessionata da una sete elementare di ricchezza materiale.

Le immagini tradizionali sono prese in prestito dal tesoro della cultura mondiale. Riflettono le verità eterne dell'esperienza collettiva delle persone in vari ambiti della vita (religiosa, filosofica, sociale). Le immagini tradizionali sono statiche, ermetiche e quindi universali. Sono utilizzati dagli scrittori per una “svolta” artistica ed estetica nel trascendentale e nel transsoggettivo. L'obiettivo principale delle immagini tradizionali è una radicale ristrutturazione spirituale e morale della coscienza del lettore secondo il modello "celeste". Numerosi archetipi e simboli servono a questo scopo.

G. Sienkiewicz usa l'immagine tradizionale (simbolo) in modo molto rivelatore nel romanzo “Quo wadis”. Questo simbolo è un pesce, che nel cristianesimo rappresenta Dio, Gesù Cristo e i cristiani stessi. Il pesce è disegnato sulla sabbia da Licia, una bellissima polacca di cui si innamora il protagonista, Marco Vinicio. Il pesce viene pescato prima dalla spia e poi dal martire Chilon Chilonides, alla ricerca di cristiani.

L'antico simbolo cristiano del pesce conferisce alla narrativa dello scrittore non solo un sapore storico speciale. Il lettore, seguendo gli eroi, inizia anche a pensare al significato di questo simbolo e a comprendere misteriosamente la teologia cristiana.

In termini di scopo funzionale, ci sono immagini di eroi, immagini (immagini) della natura, immagini di cose e immagini di dettagli.

Infine, nell'aspetto della costruzione (regole dell'allegoria, trasferimento di significati), si distinguono immagini-simboli e tropi artistici.

4. Percorsi d'arte

Nella stilistica e nella retorica, i tropi artistici sono elementi della figuratività del discorso. I percorsi (greco tropos - frase) sono figure retoriche speciali che gli conferiscono chiarezza, vivacità, emotività e bellezza. I tropi implicano una conversione di una parola, una rivoluzione nella sua semantica. Sorgono quando le parole non sono usate in senso letterale, ma figurato; quando, attraverso il confronto per contiguità, gli espressimi si arricchiscono reciprocamente di uno spettro di significati lessicali.

Ad esempio, in una delle poesie di A.K. Leggiamo Tolstoj:

Una betulla fu ferita da un'ascia affilata,

Le lacrime scorrevano lungo la corteccia d'argento;

Non piangere, povera betulla, non lamentarti!

La ferita non è mortale, guarirà entro l'estate...

Le righe sopra ricreano effettivamente la storia di una betulla primaverile che ha subito danni meccanici alla corteccia dell'albero. L'albero, secondo il poeta, si preparava a risvegliarsi dal lungo letargo invernale. Ma apparve un certo uomo malvagio (o semplicemente distratto), volle bere la linfa di betulla, fece un'incisione (tacca), si dissetò e se ne andò. E il succo continua a fuoriuscire dal taglio.

La trama specifica della trama è acutamente vissuta da A.K. Tolstoj. Ha compassione per la betulla e considera la sua storia come una violazione delle leggi dell'esistenza, come una violazione della bellezza, come una sorta di dramma mondiale.

Pertanto, l'artista ricorre a sostituzioni verbali e lessicali. Il poeta chiama il taglio (o tacca) nella corteccia una “ferita”. E la linfa di betulla è "lacrime" (una betulla, ovviamente, non può averle). Le tracce aiutano l'autore a identificare la betulla e la persona; esprimere in una poesia l'idea di misericordia, compassione per tutti gli esseri viventi.

Nella poetica, i tropi artistici mantengono il significato che hanno nella stilistica e nella retorica. I tropi sono svolte poetiche del linguaggio che implicano un trasferimento di significato.

Si distinguono i seguenti tipi di tropi artistici: metonimia, sineddoche, allegoria, confronto, metafora, personificazione, epiteto.

La metonimia è il tipo più semplice di allegoria, che prevede la sostituzione di un nome con il suo sinonimo lessicale (“ascia” invece di “ascia”). Oppure un risultato semantico (ad esempio, l’età “d’oro” della letteratura russa” invece di: “Letteratura russa del XIX secolo”). La metonimia (transfert) è la base di ogni tropo. I metonimici, secondo M. R. Lvov, sono "connessioni per contiguità".

La sineddoche è una metonimia in cui un nome viene sostituito da un nome più stretto o più ampio nella semantica (ad esempio, "ficcanaso" invece di "uomo" (con un grosso naso) o "bipedi" invece di "persone"). Il nome sostituito è identificato dalla sua caratteristica, che nomina il nome sostitutivo.

Un'allegoria è un'allegoria figurativa destinata alla decodificazione razionale (ad esempio, il lupo e il cacciatore nella famosa favola di I. A. Krylov "Il lupo nel canile" sono facilmente decifrabili dalle immagini di Napoleone e Kutuzov). L'immagine nell'allegoria gioca un ruolo subordinato. Incarna sensualmente qualche idea significativa; serve come un'illustrazione inequivocabile, un “geroglifico” di un concetto astratto.

Il confronto è una metonimia che si rivela in due componenti: il comparato e il comparare. E grammaticalmente si forma con l'aiuto delle congiunzioni: “come”, “come se”, “come se”, ecc.

Ad esempio, S.A. Yesenina: "E le betulle (componente di confronto) stanno come (unione) grandi candele (componente di confronto)."

Il confronto ti aiuta a vedere un argomento da un punto di vista nuovo, inaspettato. Evidenzia in lui tratti nascosti o finora inosservati; gli dà una nuova esistenza semantica. Pertanto, il confronto con le candele "dà" alle betulle di Esenin l'armonia, la morbidezza, il calore e la bellezza accecante caratteristiche di tutte le candele. Inoltre, grazie a questo confronto, si ritiene che gli alberi siano vivi, anche in piedi davanti a Dio (poiché le candele, di regola, bruciano nel tempio).

Metafora, secondo la giusta definizione di A.A. Potebny, esiste un “confronto abbreviato”. Ne rileva solo uno: il componente di confronto. Paragonabile - congetturato dal lettore. La metafora è usata da A.K. Tolstoj nella battuta sulla betulla ferita e piangente. Apparentemente il poeta fornisce solo una parola sostitutiva (componente comparativa) - "lacrime". E il componente sostituito (confronto) - "linfa di betulla" - è da noi ipotizzato.

La metafora è un'analogia nascosta. Questo tropo cresce geneticamente al di fuori del confronto, ma non ha né una struttura né un disegno grammaticale (le congiunzioni “come”, “come se”, ecc. non vengono utilizzate).

La personificazione è la personificazione (“rinascita”) della natura inanimata. Grazie alla personificazione, terra, argilla e pietre acquisiscono caratteristiche antropomorfe (umane) e organicità.

Molto spesso, la natura è paragonata a un misterioso organismo vivente nelle opere del poeta russo S.A. Esenina. Lui dice:

Dove sono i letti di cavoli

L'alba versa acqua rossa,

Maple baby per il piccolo utero

La mammella verde fa schifo.

Un epiteto non è una definizione semplice, ma metaforica. Nasce combinando concetti dissimili (approssimativamente secondo il seguente schema: corteccia + argento = “corteccia d'argento”). L'epiteto apre i limiti delle caratteristiche tradizionali di un oggetto e aggiunge ad esse nuove proprietà (ad esempio, l'epiteto "argento" conferisce all'oggetto corrispondente ("corteccia") le seguenti nuove caratteristiche: "leggero", "lucente" ”, “puro”, “con nero”).

5. Immagini-simboli artistici

L'immagine-simbolo artistico è fondamentalmente opposta agli elementi figurativi del discorso. Ha una struttura unica e uno scopo speciale.

Il tropo si presenta sotto l'aspetto di una sostituzione razionale e facilmente leggibile di un nome con un altro. Presuppone un'allegoria semplice e inequivocabile (le lacrime sono solo linfa di betulla, il Lupo e il Cacciatore sono solo Napoleone e Kutuzov). Un'idea astratta, un sentimento, un'idea morale nel tropo è sostituita da un'immagine, una “immagine”.

L'immagine-simbolo è legata alle immagini culturali tradizionali: simboli e archetipi (vengono “trasformati” in immagini-simboli dal contesto letterario). Rivela un'allegoria complessa e polisemantica. Un'immagine-simbolo è una commemorazione non di una cosa, idea, fenomeno, ma di tutta una serie di cose, di uno spettro di idee, di un mondo di fenomeni. Questa immagine artistica attraversa tutti i piani dell'esistenza e incarna l'assoluto nel relativo e l'eterno nel temporale. Come un simbolo universale, un'immagine-simbolo riunisce insiemi immaginabili di significati di una cosa e, di conseguenza, diventa (nelle parole di K.V. Bobkov) “come se il centro di tutti i significati, da dove può avvenire il loro graduale dispiegamento. "

Vyach fa un commento esaustivo sulla polisemia di alcuni segni. I. Ivanov nell'articolo "Simbolismo e creatività religiosa". Dice: “Non si può dire che il serpente, come simbolo, significhi solo “saggezza”<...>. Altrimenti, un simbolo è un semplice geroglifico e una combinazione di più simboli è un'allegoria figurata, un messaggio crittografato che deve essere letto utilizzando la chiave trovata. Se il simbolo è un geroglifico, allora il geroglifico è misterioso, significativo, multi-significato. In diverse sfere della coscienza, lo stesso simbolo assume significati diversi. Il serpente ha quindi un rapporto significativo contemporaneamente con la terra e l’incarnazione, il sesso e la morte, la vista e la conoscenza, la tentazione e la santificazione”.

Vediamo un classico esempio di simbolizzazione di un'immagine artistica nella bellissima miniatura di I.F. Annensky "Tra i mondi":

Tra i mondi, nel luccichio dei luminari

Ripeto il nome di One Star...

Non perché l'amassi,

Ma perché languisco con gli altri.

E se il dubbio mi è duro,

Prego solo Lei per una risposta,

Non perché sia ​​buio senza di Lei,

Ma perché con Lei non c'è bisogno di luce.

La stella nella poesia del poeta non è solo una donna amata. La stella significa un sogno “blu”, un ideale inaccessibile e sublime, il significato della vita, della verità, dell'amore. Può anche mostrare l’immagine di Cristo, che è la “stella luminosa e mattutina”.

Pensare per immagini

Immagine di Cristo

Immagine romantica di un eroe romantico

L'immagine degli elementi infuriati

Tranquilla serata estiva

Un'immagine del duro lavoro della gente comune

Immagine di tragica perdita

Un'immagine dell'allegria sfrenata di una festa nazionale

Come nasce un'immagine artistica?

Digitando

Ciò accade perché nei versi poetici e nei suoni della musica ritroviamo il nostro “io”, sentimenti e pensieri in sintonia con i nostri.

Un artista può vedere la stessa persona in modi completamente diversi. Si rivolse all'artista impressionista francese Auguste Renoir

In tempi diversi, l'immagine dell'immortale Amleto, principe di Danimarca, è stata interpretata diversamente. Nel XVIII secolo era l'incarnazione delle chiacchiere e delle chiacchiere, nel XIX

Verità e verosimiglianza nell'arte

Sin dai tempi antichi, gli uomini hanno definito il grado di perfezione delle opere d'arte in modi diversi. Il più semplice è scoprire quanta produzione

J.W. Goethe “Sulla verità e verosimiglianza nelle opere d’arte”

Anche una copia molto accurata è priva di vita e poco interessante.

Insegnante dell'MHC

Diapositiva 7.

Peculiarità del pensiero artistico È noto che nel processo creativo l'artista cerca di trasmettere ad un'altra persona le informazioni estetiche che ha accumulato. In altre parole, organizza una situazione di dialogo artistico con lo spettatore, facendolo non direttamente, ma attraverso un “intermediario” - un'opera d'arte. La composizione non è solo la forma principale di un dipinto, ma anche la forma principale di dialogo artistico tra creatore e spettatore. Allo stesso tempo, il compito principale del pensiero compositivo è organizzare la forma di tale dialogo.

Consideriamo i due aspetti più importanti che modellano il pensiero compositivo: in primo luogo, queste sono ragioni esterne: il pensiero artistico e la composizione di un'opera dipendono dalle caratteristiche della cultura in cui esistono. Con il cambio d'epoca scompaiono anche le sue direzioni artistiche. La composizione cambia. Dipendono dalla coscienza pubblica, dal modello artistico del mondo e dalla visione del mondo attualmente accettati (sebbene quasi tutte le scuole d'arte rivendichino non solo il ruolo principale e persino la parvenza di un dittatore culturale, sforzandosi di elevarsi al di sopra della religione, della filosofia e, soprattutto, al di sopra i bisogni politici ed economici delle persone). In secondo luogo ci sono ragioni interne: queste sono le leggi della forma artistica, che rimangono invariate in ogni momento. Queste sono le leggi del sistema, della struttura, dell'integrità, che hanno le loro caratteristiche e influenzano radicalmente il pensiero compositivo.

Le principali proprietà della composizionalità sono l'integrità, l'unità delle contraddizioni, la costruttività, la chiusura e l'apertura dell'organizzazione dei singoli componenti. Nei diversi periodi storici vi furono idee artistiche e compositive diverse.

Citazione importante: I. I. Ioffe scrive: “Ogni opera d'arte è una funzione non di un momento storico, ma dell'intero sistema storico. Ogni opera d'arte non è un insieme meccanico di elementi, ma un sistema di elementi storici, multitemporali e multistadio. Essendo parte della storia, l'opera d'arte è essa stessa un sistema storico e, come sistema storico, deve essere analizzata. I suoi confini con altre opere sono condizionali, fluidi e transitori. Pertanto, l'analisi di una singola opera deve procedere dall'insieme storico, così come l'analisi dei singoli elementi dell'opera deve procedere dalla loro totalità, dall'insieme, e non da un elemento particolare. Questa è analisi differenziale, in contrapposizione alla separazione meccanica."

Simmetria e ritmo come base della struttura compositiva Due principi fondamentali - simmetria e ritmo - sono stati evidenziati da M. Alpatov come base della struttura compositiva. Allo stesso tempo, credeva che si potesse parlare di composizione non solo nell’arte, ma anche di composizione “naturale” nella natura.

Composizione nell'arte primitiva Le immagini primitive erano somme di figure attentamente elaborate, ma separate: “Dobbiamo ammettere”, scrive Alpatov, “che una tale comprensione della composizione è inerente al pensiero molto primitivo, causato dall'incapacità dell'uomo primitivo di generalizzare. Potrebbe esistere solo in una fase iniziale della cultura umana."

Composizione nell'arte dell'Antico Oriente Nella composizione dell'Antico Oriente emerge un ordine quasi rigido, la connessione degli oggetti con l'ambiente circostante, le forme geometriche, la divisione del campo in strisce orizzontali e verticali e uno stretto legame con l'architettura . Le composizioni dei fregi erano sia un segno che un ornamento. Erano più complessi degli ornamenti, poiché portavano il significato della narrazione, ma non erano colorati da un sentimento figurativo ed erano piuttosto una complessa espressione di pensiero geroglifico. Allo stesso tempo, il compito principale, come nella scrittura, era il compito pittorico di risolvere l'aereo, brillantemente eseguito dagli artisti dell'Antico Oriente.

Composizione nell'arte dell'Antico Egitto Le composizioni dell'Antico Egitto sono completamente prive di prospettiva, ma allo stesso tempo è stata sviluppata una legge speciale per rappresentare oggetti su un piano. C'è il desiderio di creare una “immagine di un'idea speculativa”, un segno complesso. Pertanto, la composizione del fregio era più accettabile delle costruzioni prospettiche.

Composizione nelle opere d'arte dell'antica Grecia Nelle opere degli artisti dell'antica Grecia, le singole parti sono collegate non solo tra loro, ma anche con l'insieme, quindi Alpatov scrive: “...Le composizioni greche acquisiscono maggiore unità. È vero, nel rilievo egiziano, ogni figura veniva letta come un anello incluso in una lunga catena, ma questo anello, proprio come un anello separato della catena, era collegato solo all'anello vicino. La composizione greca è concepita in misura molto maggiore come una sorta di insieme complesso ma organico, in cui le singole parti sono collegate non solo tra loro, ma anche con l’intera composizione nel suo insieme”. Tuttavia, non esiste ancora libertà di composizione. Appare molto più tardi. L'arte dell'antica Grecia è caratterizzata da una composizione complessa. Il pensiero artistico qui ha raggiunto un livello elevato. Ciò si è manifestato non solo nelle sculture e nelle composizioni di fregi, ma anche nella pittura ad affresco.

Composizione nell'arte dell'antica Roma Nell'affresco pompeiano “Odisseo e Achille presso il re Licomede” il centro compositivo risalta chiaramente e viene costruita una gerarchia di rapporti ritmici. L'affresco tardoantico ricorda dipinti rinascimentali e settecenteschi. , sebbene vicino alla pittura vascolare del V secolo. AVANTI CRISTO e. Quasi assente è la delineazione continua dei gruppi caratteristica degli artisti rinascimentali. Si avverte una certa frammentazione e una maggiore libertà nella gestione dell'aereo, in gran parte perduta dal classicismo europeo.

L'insegnante d'arte Tolkacheva E.Yu.

Bersaglio: Formazione di competenze chiave negli studenti, incl. comprensione della cultura artistica mondiale come valore estetico, il cui possesso è una componente del modello moderno di diplomato.

Compiti:

1. Introdurre gli studenti al concetto di “immagine artistica”.

2. Rivelare la natura dell'immagine artistica.

3. Promuovere un atteggiamento creativo nei confronti della comprensione delle opere di vari tipi di arte.

Formato della lezione: lezione-discussione.

Durante le lezioni.

Diapositiva 1.

Insegnante: Ogni opera d'arte contiene un'idea espressa in un oggetto specifico raffigurato dall'autore dell'opera, sia esso un musicista o un artista, uno scultore o un poeta. Un'opera d'arte non può essere considerata arte se non ha un significato allegorico, anche se vediamo e comprendiamo ciò che il suo autore ci ha rappresentato. L'arte è arte perché il bagaglio semantico in essa contenuto porta con sé qualcosa di più.

Qualsiasi immagine è associata all'intenzione soggettiva dell'autore, che viene ricreata e incarnata in una o nell'altra immagine. La lezione di oggi ci permetterà di conoscere i segreti dell'immagine artistica.

Ascoltate, ragazzi, un estratto da un'antica leggenda.

Diapositiva 2.

Alunno: Un'antica leggenda antica racconta di una competizione tra due pittori: Zeusi e Parrasio. Discutevano su chi di loro avesse più talento e ognuno ha deciso di stupire le persone con qualcosa di insolito, fuori dall'ordinario. Uno dipinse un grappolo d'uva in modo che gli uccelli, ignari, volassero a beccarne gli acini. Un altro ha dipinto una tenda sopra il quadro, con tale abilità che un avversario che è venuto a vedere il suo lavoro ha cercato di togliere la copertura dipinta.

Insegnante: Cosa ne pensate, a chi è stata assegnata la vittoria?

(Risposte degli studenti)

– Sì, la vittoria è stata assegnata al secondo pittore, poiché è molto più difficile “ingannare” un artista che gli uccelli.

Sin dai tempi antichi, le persone hanno misurato il grado di perfezione delle opere d'arte in modi diversi. Il metodo più semplificato prevedeva di scoprire quanto un'opera d'arte sia simile alla vita. Sembrerebbe che tutto sia chiaro. Se sembra così, bene. Se è molto simile, ha talento. E se è così simile alla vita che è impossibile capirne la differenza, allora è geniale, proviamo a valutare diverse opere.

Diapositiva 3.

– Ecco le opere che raffigurano lo stesso periodo dell'anno: l'autunno. Quale di loro ti sembra più perfetto e quale meno? Perché?

(Risposte degli studenti che spiegano il loro punto di vista).

Diapositiva 4.

– Molti filosofi, ad esempio Aristotele, credevano che non ci si potesse aspettare che un artista fosse assolutamente veritiero nella sua “imitazione” della natura. Aristotele diceva giustamente che “l’arte completa in parte ciò che la natura non è in grado di fare”. Guarda la riproduzione del dipinto di Leonardo da Vinci “La Giaconda” e prova a dimostrare la correttezza delle parole di Aristotele.

(Risposte degli studenti)

Diapositiva 5.

– In tempi successivi, il poeta tedesco J. W. Goethe scrisse nel suo articolo “Sulla verità e verosimiglianza nelle opere d'arte”: “Un artista che è grato alla natura... le riporta... una specie di seconda natura, ma un natura nata dal sentimento e dal pensiero, natura umanamente completa." Pertanto, l'artista non dovrebbe in nessun caso tendere a una riproduzione assolutamente accurata della realtà. A conferma di ciò vediamo nella diapositiva l'opera di Claude Monet. Si può dire che il mare raffigurato dal pittore sia veritiero e realistico?

(Risposte degli studenti.)

Diapositiva 6.

– Nella diapositiva vedi le strutture architettoniche. Cosa ti ricordano?(Risposte degli studenti).

– Oggi si dice spesso che un artista pensa per immagini, ma l’arte stessa è definita dalla frase ormai classica di V.G. Belinsky: “L’arte è pensare per immagini”. Ma cosa c’è di speciale nel pensiero artistico? Dov'è il segreto dell'immaginazione creativa che dà origine a un mondo in cui vivono gli eroi delle opere, si svolgono eventi drammatici e si decidono i destini delle persone? Il segreto sta nella nostra conoscenza del mondo che ci circonda e nel nostro atteggiamento nei suoi confronti.

Nella vita di tutti i giorni siamo circondati da molte cose, vari eventi e fenomeni si svolgono davanti ai nostri occhi. Tutti questi sono prerequisiti necessari per creare opere d'arte. Ma diventano tali solo nella rifrazione dei pensieri e nell'espressione dei sentimenti umani. Non tutti sono in grado di esprimere chiaramente le proprie esperienze. Solo gli artisti possono farlo.

Diapositiva 7.

Un'opera d'arte unisce i fenomeni della realtà e l'immaginazione creativa dell'artista. Vede il mondo “attraverso il cristallo magico” della percezione artistica. Nella sua mente nasce un'immagine artistica: un modo speciale di riflettere la vita, in cui si rifrange il mondo di sentimenti ed esperienze dell'artista.

Un'immagine artistica solo in un primo momento sembra essere una “istantanea” della realtà. In realtà, è una finestra sul vasto mondo dei pensieri, dei sentimenti e delle idee dell'artista. Senza il suo atteggiamento individuale nei confronti della vita, l'umore personale, non esiste un'immagine artistica. Una copia, anche se molto accurata, è priva di vita e poco interessante. Al contrario, un'immagine artistica è sempre un po' misteriosa, un mistero. Ecco diverse immagini della stessa persona: il compositore austriaco Wolfgang Amadeus Mozart.

(Agli studenti viene assegnato un compito scritto per descrivere l'immagine del compositore scegliendo una delle immagini. Suona la musica di A. Mozart).

– Come ti appare l'immagine di un grande genio?(Sondaggio lampo) .

– Quale dovrebbe essere il rapporto tra finzione e realtà in un’opera d’arte? Passiamo alla commedia dell'antico drammaturgo greco Aristofane “Rane”.

Diapositiva 8.

(Gli studenti drammatizzano un estratto di una commedia.)

(Descrive una disputa tra due grandi tragici: Eschilo ed Euripide. Alla domanda di Eschilo: "Perché un poeta dovrebbe essere ammirato?" - Euripide risponde: "Per la sua arte e per le sue istruzioni - perché noi (cioè i poeti) facciamo il meglio persone nello stato." Euripide rimprovera Eschilo per aver portato in scena "orrori impossibili, sconosciuti allo spettatore", mostrando le persone come dovrebbero essere, e non come sono realmente. Lo stesso Euripide appare qui come un rozzo naturalista, spiegando le sue opinioni su arte come segue:

Ho fatto emergere la nostra vita, i nostri costumi, le nostre abitudini nel dramma,

Chiunque potrebbe controllarmi.

Capire tutto, lo spettatore

Avrebbe potuto condannarmi, ma non mi sono vantato invano.

Dopotutto, lo spettatore lo capirà da solo, e io non l'ho spaventato...) Ragazzi, da che parte sta Aristofane? Quale dei due ha più ragione?

(Risposte degli studenti).

L'autore dell'opera preferisce Eschilo, che alleva una persona morale e “nasconde cose immorali”. Dai suoi “discorsi veritieri” la città si riempì di “magnaccia”, “vagabondi”, “scribi e giullari”, “mogli infedeli”. Riguardo Euripide, Aristofane esclama: “Che razza di guai ha causato!” La conclusione è:

Zeus vede, questo è vero, ma i poeti devono nascondere tutte le cose vergognose

E non dovrebbero essere portati sul palco; non c'è bisogno di prestare loro attenzione

Proprio come un insegnante istruisce i bambini nella loro mente, così le persone che sono già adulte sono poeti.

Solo ciò che è utile un poeta dovrebbe glorificare.

Come vediamo, la nuda verità da sola non può essere il criterio principale dell'arte. Ma fino a che punto la finzione è ammessa nell’arte? Un pensiero interessante a questo proposito è stato espresso dall'artista cinese Qi Baishi: “Bisogna dipingere in modo tale che l'immagine sia a metà tra il simile e il dissimile. Troppo simile è un’imitazione della natura; troppo poco simile è una mancanza di rispetto nei suoi confronti”.

Diapositiva 9.

– A questo proposito, dobbiamo conoscere un concetto come convenzione nell'arte, senza il quale è impossibile comprendere l'essenza di un'immagine artistica. La convenzionalità nell'arte è un cambiamento nelle forme usuali di oggetti e fenomeni secondo la volontà dell'artista. La convenzione è qualcosa che non si trova nel mondo esterno. Convenzionalmente, ad esempio, dividendo un'opera teatrale in atti e azioni. Nella vita il sipario non cala nel punto più interessante e la morte dell'eroe non attende la fine dello spettacolo. Una vecchia battuta teatrale: “Perché è morto? "Dal quinto atto." Durante uno spettacolo di balletto, non ci sembra strano che di fronte alla morte o quando dichiarano il loro amore, i personaggi eseguano determinati movimenti ritmici e creino uno schema coreografico complesso. Il “mutismo” dei danzatori non fa altro che evidenziare ulteriormente l'eloquenza dei loro gesti.

E quanti incidenti affascinanti sono stati inventati dagli scrittori di fantascienza! Voli verso altri pianeti, incontri con marziani inesistenti, guerre con loro... Ricordate "Aelita" di A.N. Tolstoy o "La guerra dei mondi" di H. Wells. È questo realismo? Ovviamente no. Ma sono queste opere così lontane dalla vita? Sia nella fantasia che nelle fiabe, l'inverosimile è abilmente mescolato con il reale. Ricorda le parole di A.S. Pushkin: "Una fiaba è una bugia, ma c'è un accenno in essa!.." In altre parole, un'opera d'arte nei dettagli, nei particolari può permettersi di essere finzione, ma nella cosa principale - in una storia riguardo alle persone, deve essere veritiero.

Diapositiva 10.

– Hai mai visto il dipinto di P. Bruegel “La terra dei pigri”? A prima vista sembra lontano dalla realtà, ma bisogna essere in grado di decifrarne il linguaggio convenzionale. Prova tu stesso.

(Esempi di risposta: il nostro sguardo è attratto dalle figure di tre bradipi stesi a terra: un soldato, un contadino e uno scrittore (forse uno studente itinerante). Ci sono molti dettagli interessanti nell'immagine che non noti subito. Una palizzata di salsicce e una montagna di porridge dolce circondano la terra dell'abbondanza. Un maiale arrosto corre attraverso il prato con un coltello nel fianco, come se si offrisse di tagliarsi a pezzi, torte fuse che ricordano un cactus, un uovo sopra gambe... E il tetto, che funge da riparo dal sole sotto forma di un tavolo rotondo, è infilato nel tronco di un albero e carico di ogni tipo di stoviglie... Tutti questi dettagli artistici accrescono ulteriormente lo spettacolo del “mondiale pigrizia” e allo stesso tempo incarnano allegoricamente il sogno eterno di abbondanza, prosperità, una vita pacifica e spensierata).

– La “scala delle convenzioni” nell’arte può espandersi o contrarsi. Se si espande, sorge una domanda ragionevole: “La verosimiglianza è troppo compromessa?” Se, al contrario, lo si restringe, c'è il pericolo di scivolare nel naturalismo. La convenzione non è mai fine a se stessa per un artista; è solo un mezzo per trasmettere il pensiero dell’autore. L'artista non deve perdere il senso delle proporzioni nell'uso delle convenzioni, altrimenti può distruggere l'immagine artistica.

Diapositiva 11 (sullo sfondo della musica di Saint-Saëns “Il Cigno”).

Le seguenti serie di video ti aiuteranno a vedere e ascoltare immagini artistiche in varie opere d'arte e confermeranno ancora una volta che un'immagine artistica è un modo speciale di riflettere la vita, in cui viene rifratto non solo il mondo di sentimenti ed esperienze dell'artista, ma anche il mondo dei sentimenti di tutti coloro che lo vedono, lo sentono e lo comprendono.

Diapositiva 12.

Compiti a casa (variabile) :

1. È possibile concordare con l'affermazione di Platone secondo cui l'arte, che riproduce il mondo oggettivo, è solo “l'ombra dell'ombra”, una “copia di una copia” del mondo reale? Spiega la tua risposta.

2. Il poeta inglese W. Blake ha le seguenti poesie:

Vedi l'eternità in un momento,

Un mondo immenso in un granello di sabbia,

In una sola manciata: l'infinito

E il cielo è nella coppa di un fiore.

Che rapporto possono avere queste parole del poeta con la natura dell'immagine artistica? Spiega la tua risposta.
3. Preparare un saggio "Verità e finzione in opere di narrativa o racconti popolari".